Kikuo : rencontre avec un artiste vocaloïd inédit

L’un des avantages de travailler chez Journal du Japon c’est de toucher à tout ce qui touche à la culture japonaise, en voyageant parfois en territoire inconnu. Dans le lot de ces balades, il y a des rencontres inattendues et des artistes singuliers. À l’occasion de sa venue à la Salle Pleyel le 6 mars prochain, nous avons découvert l’artiste vocaloïd Kikuo, essentiellement connu par les amateurs de ce genre musical qui est maintenant bien installé sur l’univers sonore japonais.

La musique comme l’artiste valent le détour, son parcours aussi. Laissez-vous tenter par une petite cession découverte.

Qui est Kikuo ?

Kikuo est un producteur, compositeur et artiste électronique japonais né le 21 septembre 1988 dans la préfecture de Kanagawa. Réputé pour son univers sonore inventif et chargé d’émotion, il est une figure majeure de la scène Vocaloid et crée une musique à la fois éblouissante et déroutante : de douces mélodies superposées à des sous-tons plus sombres. Il a commencé à publier des morceaux originaux en ligne dans les années 2000 et a trouvé sa voix distincte en 2010 via le logiciel de chant synthétique Vocaloid. Depuis, il est devenu l’un des producteurs les plus influents de l’univers Vocaloid,

Son tube Aishite Aishite Aishite est devenu la première chanson Vocaloid à dépasser 100 millions de streams sur Spotify. Gomenne, Gomenne et Kimi Wa Dekinai Ko sont aussi très populaires.

En 2024, il a mené la tournée mondiale Kikuoland : Go-Round, marquant le premier tour du monde d’un producteur Vocaloid (41 dates dans 19 pays). La même année, son univers VRChat Yoru Toge a reçu le Prix de l’Excellence dans la catégorie VR aux Lumiere Japan Awards pour sa profondeur émotionnelle et son innovation dans la narration virtuelle.

Que ce soit en ligne ou sur scène, Kikuo poursuit la poussée des limites du son, de la voix et de l’expression — nous invitant à entrer dans un monde comme aucun autre.

Kikuo : le chaos et la créativité comme chemins

Journal du Japon : Bonjour Kikuo, et merci pour votre temps. Commençons par votre parcours et vos influences. Quels artistes musicaux ont eu le plus grand impact sur vous durant votre enfance, et pourquoi ?

Kikuo : il y a deux influences principales. La musique de jeux vidéo comme Seiken Densetsu 3 (Secret of Mana) et Ape Escape, ainsi que la musique indie japonaise diffusée sur Internet, comme BMS et Muzie.

Les raisons sont, d’abord, que je n’avais pas d’argent pour acheter des CD. Ensuite, plutôt que la musique commerciale, formatée et finalisée, je trouvais du réconfort dans des espaces chaotiques, désordonnés, libres, créatifs et bruyants — des sons électroniques agressifs, des sensations écrasantes, un frisson de l’âme, et un sentiment surnaturel dépassant l’échelle des sens humains individuels, autrement dit une forme d’occultisme. De telles œuvres étaient disséminées dans cette scène.

Si je devais citer des artistes : Hiroki Kikuta, Soichi Terada, Bitplane (aussi connu sous le nom Process 2.3.1, Aisin Gioro Puyi), ATOLS, Masaya Sasaki, Ryuko Azuma, imoutoid, Akiko Shikata, -45 (aussi connu sous le nom Ura-Yoshikawa), c, RANDO, m1dy, et d’autres.

Durant cette enfance, il semble que votre créativité vous ait aidé à mettre fin au harcèlement scolaire. Pouvez-vous nous raconter cette histoire et expliquer comment cet événement vous a orienté vers une voie artistique ?

Pour commencer, j’étais un enfant unique égoïste, introverti, peu coopératif, frêle, maigre, qui avait tendance à agir seul, à faire les choses sans coordination, à sourire bêtement quoi qu’on me fasse, et à avoir des difficultés à communiquer de manière fluide. Mes bulletins scolaires mentionnaient même des choses comme : « lit bien et possède son propre monde ». Avec le recul, je pense que j’étais le type d’enfant problématique et facile à harceler.

Comme je ne m’entendais pas bien avec les autres, je fabriquais des jeux de société seul et j’y jouais seul. Les harceleurs ont remarqué que ces jeux étaient intéressants, et ces jeux sont rapidement devenus populaires dans toute la classe comme une nouvelle forme de divertissement. J’étais le maître du jeu, publiant constamment de nouvelles créations et mises à jour avant qu’ils ne se lassent. Si les jeux étaient intéressants, leur attention restait fixée dessus ; sinon, j’étais immédiatement frappé, bousculé, ignoré, mes affaires étaient cachées, jetées, volées, et je perdais ma place.

Toutes les récréations, les transitions entre les cours, les trajets, et les heures après l’école étaient organisés autour de mon rôle de maître du jeu, et j’ai vécu ainsi chaque jour jusqu’à l’obtention de mon diplôme. Il serait plus exact de dire non pas que j’étais « respecté comme maître du jeu », mais que je « réussissais à détourner l’attention des harceleurs ». Pour eux, un créateur n’était pas un être spécial capable de produire des œuvres intéressantes, mais un esclave apportant des offrandes divertissantes.

J’ai consulté mes parents et des adultes, mais je n’ai reçu aucune aide. C’était l’enfer. À partir du collège, j’ai étudié désespérément pour quitter ma ville natale et intégrer un établissement paisible dans un autre district. En raison de diverses circonstances, le temps dont je disposais pour préparer les examens était court, et ma vue est passée de 2,0 à 0,3 en environ six mois.

À cause de cela, je me suis convaincu qu’il y avait quelque chose de fondamentalement erroné dans ma personnalité et mes capacités de communication, et que si une place m’était réservée dans la société, ce ne pourrait être que par la création. À l’époque, ni mes parents ni mes professeurs ne comprenaient mes pensées. Récemment, lors d’une réunion d’anciens élèves, j’ai reparlé de cela avec des enseignants : ils semblaient avoir complètement changé d’attitude, me flattant et demandant des autographes et des photos. Je suis vraiment heureux de ne pas avoir écouté leurs sermons vides et d’avoir vécu selon mes propres convictions.

Quel a été votre parcours d’études, et pourquoi avoir choisi la musique plutôt qu’un autre domaine artistique ?

C’est très simple : la musique, en particulier la composition sur ordinateur, était la seule chose que je pouvais continuer sans me lasser. C’est un domaine où l’on doit rivaliser à égalité avec des génies et des vétérans ayant reçu une formation d’élite dès l’enfance, quel que soit l’âge. J’ai donc estimé qu’un effort tiède ne suffirait jamais, et je me suis obsédé à trouver un domaine artistique que je pourrais apprécier, dans lequel je pourrais m’immerger, ne jamais me fatiguer, et poursuivre indéfiniment. Pour moi, c’était la composition.

Ce n’est pas que j’admirais les musiciens, ni que j’avais décidé dès le départ que ce serait la musique, ni même que j’avais quelque chose de précis à exprimer. Mon approche consistait plutôt à essayer de créer et à découvrir ce dont je ne me lasserais pas, puis à chercher des musiques pouvant me servir de référence.

Concernant les études, je me concentrais uniquement sur l’obtention des notes minimales nécessaires pour ne pas contrarier mes parents. Bien qu’un environnement permettant de s’immerger dans la composition soit important, peu de personnes ont la chance d’en bénéficier dès l’enfance. Je m’étais déjà émotionnellement détaché de mes parents assez tôt, paraissant obéissant tout en assurant des résultats scolaires suffisants pour maintenir la paix, et en consacrant mon énergie à obtenir le temps et l’environnement nécessaires à la création.

Voilà ce que représentaient les études pour moi.

Du DTM au Vocaloid

Vous avez commencé à publier de la musique en ligne dès 2003 sur 2chan, dans ce qu’on appelait le Desktop Music. Qu’est-ce que c’est, et pourquoi avoir débuté dans ce style ?

C’est une question intéressante pour moi, car elle met en évidence un fossé générationnel.

« Desktop Music » désignait littéralement la musique créée à un bureau à l’aide de machines ou d’ordinateurs. Au Japon, on l’abrégeait généralement en « DTM ». À l’époque, cette méthode de composition était extrêmement rare. J’ai commencé simplement parce que je trouvais révolutionnaire de pouvoir créer de la musique sans savoir jouer d’instrument.

La musique était alors comprise comme impliquant la pratique d’instruments, l’enregistrement et les concerts. À l’inverse, la musique réalisée silencieusement avec des machines ou des ordinateurs était souvent considérée non pas comme de la « composition », mais comme un hobby technique de passionnés d’informatique — une sous-culture de second rang. Aujourd’hui, la position des créateurs utilisant l’IA générative et des prompts est assez similaire.

Même au sein du « Desktop Music », utiliser un ordinateur plutôt que du matériel comme des synthétiseurs ou des samplers faisait débat. La production logicielle était parfois méprisée comme du « Desktop Music pour enfants ». Le fait que cela ait évolué vers ce que l’on appelle simplement aujourd’hui la production musicale me fait profondément ressentir le passage du temps. Peut-être que cela ressemble au récit lointain d’un vieil homme au coin du feu.

Vous avez progressivement trouvé votre style, notamment à travers Vocaloid. Ce chemin a-t-il été long ou difficile ?

Il y a eu quelques difficultés, mais globalement ce fut relativement fluide. J’ai commencé à créer pour survivre et travailler, donc j’expérimente constamment pour voir ce qui pourrait être bien reçu, et je continue encore aujourd’hui. Je ne définis pas de « style » fixe. Je fais des chansons sombres et intenses, mignonnes et lumineuses, comiques, ou encore dépressives et down-tempo. S’il existe un « style Kikuo », il s’agit probablement simplement de l’image formée par les œuvres populaires.

De plus j’étais aussi impliqué dans les arts visuels, et mon style y était sombre. J’ai essayé d’apporter cette esthétique à ma composition, et cela a été bien accueilli. À l’époque, ma carrière en peinture fonctionnait même mieux que ma musique.

Qu’est-ce qui vous attire encore aujourd’hui dans Vocaloid ?

Son affinité avec Internet. J’ai toujours aimé passer du temps en ligne. Pour moi, pouvoir créer de la musique fortement liée à la culture Internet, c’est comme un poisson dans l’eau.

Créations et inspirations…

Aishite Aishite Aishite est devenue la première chanson Vocaloid à dépasser les 100 millions d’écoutes sur Spotify. Pouvez-vous nous parler de sa création ?

Elle a été créée pour un projet de magazine musical demandant une chanson sur le thème de la « vie scolaire », incluse sur un CD bonus. Le premier brouillon a pris environ trois jours. J’ai ensuite supprimé toutes les paroles et les ai réécrites, terminant l’œuvre en cinq à sept jours. Les premières paroles me semblaient trop abstraites, je les ai donc rendues plus concrètes.

Plus largement, quelles sont vos sources d’inspiration ?

Mes « œuvres préférées » et les « œuvres qui m’inspirent » sont pour moi deux notions différentes. Dans le second cas, j’essaie de puiser des méthodes de production dans des genres peu connus au sein de la scène, donc mes inspirations sont vastes et changeantes. Elles diffèrent complètement d’une chanson à l’autre. Si je devais résumer : le critère est de savoir si c’est « intéressant ». J’évite volontairement de définir strictement mes inspirations afin de préserver ma flexibilité.

Quels messages souhaitez-vous transmettre à travers votre musique ?

Aucun en particulier. La musique est la musique, et en tant qu’œuvre créée, elle est une beauté en soi — comme le ciel, la mer ou un coucher de soleil. Tout message perçu n’est que le reflet intérieur de l’auditeur à travers l’œuvre. Je veille à ne pas y insérer le message du créateur, qui ne serait qu’un bruit inutile.

De toute façon, même si je créais une œuvre avec un message précis, ma compréhension des êtres humains n’est pas si naïve que je puisse croire qu’il serait transmis exactement tel quel.

Votre venue en France s’inscrit dans votre deuxième tournée mondiale. Quels souvenirs marquants gardez-vous de la première en 2024 ?

L’enthousiasme débordant me surprend dans chaque salle, pas seulement en France. À Paris, j’ai remarqué qu’il y avait beaucoup de personnes très stylées, ce qui m’a amusé. Je m’intéresse récemment à la mode, donc c’était agréable.

D’ailleurs, comment Vocaloid est-il perçu à l’international par rapport au Japon ?

Je pense qu’il est reçu comme un aspect amusant et unique de la culture Internet japonaise, similaire à l’anime ou au manga. Les réactions varient peu selon les pays. Dans de rares cas, cela croise des systèmes de croyances locaux, ce que je trouve intéressant.

Comment vous sentez-vous à l’idée de venir en France en mars, et quelle image avez-vous du public français ?

J’ai très hâte, et j’en ai une très bonne image, très positive disons. Néanmoins, peu importe leur lieu de vie, j’accorde une grande valeur à mes fans.

Un dernier mot pour le public qui vous attendra le 6 mars à la Salle Pleyel ?

Amusons-nous ensemble. Je vous attendrai à Kikuoland.

Nous y serons. Merci !

Retrouvez toutes les informations sur le concert du vendredi 6 mars sur le site web de la salle Pleyel. Pour ce qui est de Kikuo, continuez la découverte via sa chaîne You Tube et son site web.

Remerciements à Kikuo pour son temps et Manon Coppin de Cartel Concerts pour la mise en place de cette interview.

Article sponsorisé en partenariat avec Cartel Concerts